Aqui está o novo single, extraído do último álbum dos meus meninos. "Waiting for the End" junta-se assim a "The Catalyst" na promoção de "A Thousand Suns". Abaixo, deixo-vos uma crítica/elogio ao último álbum, bem como á carreira dos Linkin Park. O texto não é meu, o original, foi publicado no blog de Mike Shinoda e é da autoria de Jordy Kasko.
"É engraçado como funciona o negócio da música. Lançar um álbum de estreia surpreendente, e é geralmente reconhecido como tal pelos críticos e leigos, ajuda a estabelecer um padrão novo gênero, é repetido por muitos anos, e ajuda a banda na construção de uma base de fãs enorme.
Depois disso é quando as coisas ficam estranhas. Se a banda em questão não resolve variar a sua fórmula, faz a música medíocre, que mantém muitos dos elementos do seu material original, e joga pelo seguro, seus fãs continuam apoiando eles e as críticas não são muito duras. No entanto, se a banda percebe que para ter um impacto real e duradouro sobre o mundo eles precisam ser ser líquidos, com vencimento a cada álbum, mudando o seu som, explorando um novo território, eles são caluniados pelos antigos “fãs” e críticos. Eles são desprezados por toda a internet, ignorados e/ou estripados pelos ouvintes de música elitista, e seus esforços em ir ao limite, em maduras músicas diferentes são ridicularizados, se é ou não justificada a farsa. E em muitos casos, não é.
Linkin Park é um perfeito exemplo desse fenômeno. Embora eles certamente nunca foram queridinhos da crítica, sua estréia com Hybrid Theory 2000 iniciou a década com uma exposição enorme: nu-metal pode gerar uma boa música. Rap e rock não tem de se enfrentarem – podem ser fundidos se você tiver um maçarico bem quente. Meteora, de 2003, riu na cara da crise do “segundo ano”, afirmando veementemente que a música alta do rock moderno poderia ser boa, e instituindo o Linkin Park como uma das mais importantes e maiores bandas da década.
Neste ponto, Bennington, Shinoda e Cia. poderiam ter lançado álbuns de rap/rock/metal até o fim dos tempos e, lentamente, cairiam no esquecimento como apenas outra banda de rock ultra-popular de rádio. Mas não. Eles se recusaram a fazer isso. Eles cresceram, liricamente e musicalmente, tendo quatro anos para fazer Minutes to Midnight (2007). E depois a parte engraçada do negócio da música bateu-lhes como um aríete. Ao invés de alegria, inúmeras pessoas ignorantes ignoraram as lindas letras políticas (“Hands Held High”, “No More Sorrow”), as explorações épicas da paisagem sonora (“The Little Things Give You Away”), o percurso ligeiramente experimental (coro – menos “Dia dos Namorados”, o crescendo de “In Pieces”), e as lembranças cativantes, como “fuck” de seus “eus” mais jovens (“Given Up”, “Bleed It Out”). Talvez essas pessoas não mais cresceram como Linkin Park fez, e ficaram presos em sua angústia adolescente ou raiva masculina. Talvez eles quisessem música divertida, ao invés de uma boa música. Talvez eles fizeram suposições e expectativas estabelecidas em vez de abrir suas mentes para um novo som. Seja qual for o caso, Minutes to Midnight foi muito subestimado, visto que foi um dos melhores álbuns de rock dos anos 00.
A verdade é que o Linkin Park foi uma banda de hard rock. Se você fosse um adolescente, adulto jovem, ou, simplesmente, em contato com suas emoções no início da década de 00, eles falaram diretamente com você. Mas eles já não são aquela banda. Em vez disso, eles amadureceram, experimentaram, e mudaram. Eles decidiram que os 2,5 álbuns sobre a raiva, alienação e angústia bastavam. Eles se mudaram para o que realmente importa neste mundo – pobreza, guerra, responsabilidade, vida, morte, desigualdade… e é aí que A Thousand Suns, de 2010, a quarta longa-metragem do Linkin Park, chega.
Em primeiro lugar (sim, eu sei que seria estranho para finalmente começar a falar sobre o álbum em si. Está muito longe em uma revisão), Linkin Park tem uma obsessão com o apocalíptico. O título Minutes to Midnight em si foi uma referência ao “Doomsday Clock”, uma invenção dos cientistas que tentam prever quando uma catástrofe nuclear irá eliminar todos nós. O álbum, porém, apenas parcialmente é jus ao seu título, e esse vazio é preenchido por A Thousand Suns. É um álbum conceitual sobre a guerra nuclear e Deus Todo-Poderoso – é muito apocalíptico, tanto musicalmente como liricamente. Nunca houve, e provavelmente nunca haverá, um álbum assim, que tão exatamente representa a destruição (potencial) da Terra pela humanidade e pela ciência.
Em segundo lugar, A Thousand Suns é um ÁLBUM. Não é uma coleção de canções. Não é para ser escutado assim. A banda está indo tão longe a ponto de lançar uma versão do iTunes que é uma única faixa com 47 minutos e 56 segundos de duração. Isso não é mais um álbum “pelos padrões convencionais de Dark Side of the Moon ou Kid A é. Claro, há músicas de identificação, mas para compreender ou apreciar qualquer um deles você deve tomá-los no contexto de todo o álbum. Para representar este ponto, das 15 faixas de A Thousand Suns, apenas nove deles são “canções” completas. As outras 6 são faixas com vários temas recorrentes. A faixa de abertura, “The Requiem”, é isso: a solidão, tema piano em menor repete-se; uma mulher canta letras que aparecem mais tarde na épica “The Catalyst” (“Deus salve-nos, todos / Vamos queimar sob o fogo de mil sóis”) e transforma-se em uma voz assustadora, como a robótica voz de Martin Luther King Jr. será durante um discurso mostrado na realização da surpreendente “Wisdom, Justice, and Love.”. “The Radiance” estabelece um outro motivo:os discursos. São samples do famoso discurso “Destroyer of Worlds” de Oppenheimer – sobre os sons industriais e um batimento cardíaco rápido. Mais tarde, Mário Sávio e Marthin Luter King Jr. farão discursos ainda mais ameaçadores.
A primeira “canção” atual é “Burning in the Skies”, uma peça melódica com batida que lembra “Shadow of the Day”, de Minutes To Midnight. Descrevendo a morte de inocentes, como o combustível para a guerra, não pode ser uma parte melhor de A Thousand Suns, mas dá o tom tão eficaz quanto as duas pistas da introdução. Seus maneirismos musical também recorrerem a “Robot Boy”, que estripa aqueles que pensam que “a compaixão é uma falha”, ou são demasiados centrada sobre si; sobre “Iridescent”, cuja letra detalha uma espécie de celestial transcendência na sequência da destruição nuclear (” uma explosão de luz que cega todos os anjos “). É talvez o momento mais emocionante de um álbum que é sublimarmente pessoal, ao mesmo tempo que é abrangente.
Esses são os momentos de inspiração do rock alternativo. Mas o que dizer do rock? Linkin Park só não seria Linkin Park se não deixassem tudo solto ocasionalmente. E eles o fazem. “When They Come For Me” apresenta a melhor percussão do ano ao fundo para o rap-ragga ao estilo Shinoda e um refrão épico sem palavras. E justamente quando a música não poderia ficar melhor, ele a faz: após um curto intervalo, seus últimos 35 segundos usam um recurso de estilo Oriente Médio no vocal que ecoam o coro na música. Ela é facilmente uma das melhores faixas do ano, tal como está “Wretches and Kings”. Esta última começa com o famoso Mario Savio discursando “Corpos em cima das Máquinas”, e segue perfeito em guitarras dissonantes e um ruído calamitoso que apresenta o melhor refrão que Chester já escreveu ou cantou (“Nós, os animais, iremos tomar o controle / ouçam-nos agora, claro e alto / miseráveis e reis, viemos para você”). Linkin Park vai além até de Rage Against the Machine em nosso traseiro, com a consumação de nu-metal inspirado do Nine Inch Nails e Hybrid Theory. E no final, é nas pequenas coisas que fazem um álbum, e os toms que anunciam a vinda da ponte de “miseráveis e Kings” uma fonte dessas pequenas coisas.
E para aqueles que esperam o grito de Chester, há mesmo algo para vocês: “Blackout”. Abertura com tambores e sintetizadores em loop, a música não surge como um vilão num filme de terror, mas foge para cima de você. Em torno de um minuto, entra uma percussão requintada para compensar o que poderia ser melhor performance Chester até hoje. Quando ele grita “foda-se, você está ouvindo?”, É melhor você estar ouvindo. As guitarras podem estar faltando, mas isso é mais hardcore da história do Linkin Park. Porque é real.
Falando do real, as duas últimas faixas de A Thousand Suns valem a pena comentar antes de terminar esta análise e deixá-lo decidir por si mesmo se Linkin Park criou ou não um dos melhores álbuns de rock da história. “The Catalyst” é um épico somatório com chorusless das últimas 13 faixas, combinando tudo em um grande finale. E então há “The Messenger”. Como a primeira e última faixas de “Animals”, do Pink Floyd, A Thousand Suns apresenta a declaração de encerramento com uma guitarra acústica solitária, alguns arranjos escassos de cordas, e Chester. Trata-se de ser otimista ainda que desolado, triste ainda que bonita. É a mensagem de redenção, trazidos a nós por esses mensageiros maravilhosos, que pode salvar a humanidade da destruição por “mil sóis”. “Quando a vida nos deixa cego, o amor nos mantém bons.” Nunca houve uma simples e mais verdadeira afirmação para fechar um álbum.
Estou bem ciente de que muitos ouvintes não irão partilhar a minha opinião sobre este álbum. O mesmo já recebeu críticas bastante inquietantemente pobres (podemos realmente confinar naqueles críticos, se eles não puderem ver geniosidade neste álbum?) E foi atacado por nomes de tela aleatória por toda a internet (eu fiz um monte de investigação antes de me sentar para escrever este review)… e de alguma forma, a MTV (phaugh) decidiu chamá-lo de “Kid A Linkin Park,” mesmo que não tivessem escutador Kid A, se eles fossem forçados a isso. Isso não é Kid A. Não é Pink Floyd. A Thousand Suns é um gênero completamente diferente, mas estão explorando esse gênero como as bandas anteriores deles exploraram. É uma jornada épica, uma força verdadeiramente apocalíptica da natureza, um álbum que não precisa ser classificadas por “canções” ou “singles” ou “vendas” … em outras palavras, é a verdadeira arte. E é um inferno de um álbum."
